Rompe las reglas y otras 7 lecciones de diseñadores gráficos legendarios

Los empresarios, diseñadores y pensadores siempre pueden usar algo de inspiración para crear ideas innovadoras. Como diseñador gráfico, a menudo busco en los pioneros de mi campo ideas sobre la resolución creativa de problemas. Cada una de estas figuras ofrece lecciones importantes no solo en diseño, sino también en innovación que puede aplicarse a cualquiera que trabaje en nuevos métodos, productos o experiencias. Aquí hay algunas maneras en que estos íconos pueden inspirarte a crear algo nuevo:

1. Centrarse en las zonas descuidadas. - Saul Bass

Antes de Saul Bass, los títulos de las películas se consideraban tan poco importantes que las cortinas del teatro no se separaron hasta que terminaron. Cuando se lanzó The Man with the Golden Arm de Otto Preminger en 1955, con la secuencia de título animada mínima de Bass, los proyeccionistas recibieron instrucciones de abrir el telón antes de que comenzaran los créditos.

En lugar de destacar a la estrella de la película, desarrollaría imágenes simbólicas para representar el significado de la película. Para The Man with the Golden Arm, protagonizada por Frank Sinatra como un traficante de cartas adicto a la heroína, los recortes de papel abstractos ingresan a la pantalla en diferentes ángulos mientras se reproduce la puntuación. Al final, los recortes se convierten en un brazo distorsionado, el símbolo principal de la película. Por primera vez, la secuencia del título creó el ambiente y se convirtió en parte de la película. Bass luego diseñó títulos clásicos para Psycho, Vértigo, North by Northwest y Goodfellas, entre otros.

Bass también cambió la forma en que se comercializaban las películas al crear un conjunto completo y consistente de materiales, desde títulos en pantalla hasta carteles y publicidad. Aportó el mismo enfoque visual icónico a su trabajo de identidad corporativa para Continental Airlines, AT&T y Warner Communications, algunos de los cuales todavía se usan en la actualidad.

2. Rompe las reglas. - Filippo Tommaso Marinetti

Aunque mejor conocido como poeta, el fundador del futurismo italiano, Filippo Tommaso Marinetti, trajo una nueva forma de expresión a este arte literario al romper todas las reglas de la tipografía. Su "Manifiesto futurista", publicado en 1909, pedía una revolución en el arte, la poesía y el diseño. Llamó a la demolición de los medios tradicionales de creación e instó a los artistas a abrazar la velocidad, los procesos mecánicos y la violencia del mundo industrializado.

Publicó su primer libro, Zang Tumb Tumb, en 1914. Basado en sus experiencias durante la Guerra de los Balcanes de 1912, el título es una representación gráfica de los sonidos mecanizados de disparos, granadas y otras armas. Fue uno de sus experimentos en "palabras en libertad", donde se separó de la escritura lineal convencional utilizando solo sustantivos, sin adjetivos ni verbos. Desafiando la tipografía tradicional, diseñó la portada usando una mezcla de tipos de letra en diferentes escalas y ángulos y revolvió la página. Fue pionero en la tipografía expresiva, dándole una calidad pictórica; sus palabras se veían como sonaban . El diseño gráfico aún refleja su profunda influencia.

3. Persevera . - Pineles maduros

Hoy, las mujeres representan aproximadamente la mitad de la profesión de diseño gráfico. Pero cuando Cipe Pineles estaba buscando su primer trabajo de diseño en la década de 1930, los posibles empleadores estaban interesados ​​en su cartera, hasta que descubrieron que el nombre inusual pertenecía a una mujer.

Sin embargo, siguió intentándolo y finalmente se convirtió en asistente del director de arte de Condé Nast, Mehemed Fehmy Agha, en 1932, ampliando su papel allí durante los próximos 15 años. Se convirtió en directora de arte en Glamour en 1942, la primera mujer en ocupar ese puesto en una importante revista estadounidense. Se mudó a Seventeen, y en 1950, Pineles se convirtió en directora de arte en Charm, una revista dirigida a un nuevo grupo demográfico: las mujeres trabajadoras. Diseñó prendas de moda que mostraban la ropa en uso: en el trabajo, desplazamientos y hacer mandados. "Tratamos de hacer atractivo lo prosaico sin usar los clichés cansados ​​del falso glamour", observó en una entrevista posterior. "Se podría decir que tratamos de transmitir el atractivo de la realidad, en oposición al brillo de una tierra de nunca jamás". Su trabajo ayudó a redefinir el aspecto de las revistas de mujeres, al tiempo que fomentaba los roles cambiantes de las mujeres en la sociedad.

Pineles también fue la primera mujer en ingresar al Club de Directores de Arte de Nueva York y la primera mujer elegida para su Salón de la Fama. Durante una carrera de muchas primicias, Cipe Pineles lideró con su trabajo, y ella lideró con el ejemplo. Ella nunca se rindió.

4. Colaborar. - Ladislav Sutnar

El diseñador checo Ladislav Sutnar se mudó a Nueva York en 1939 y pronto conoció al escritor / arquitecto Knud Lönberg-Holm, quien se convertiría en su socio en el desarrollo de nuevos métodos de diseño de información para negocios.

Trabajaron juntos para mejorar el Servicio de Catálogo de Sweet, que compiló los catálogos de diferentes fabricantes en la industria de la construcción. Reconociendo que las personas buscan productos de diferentes maneras, desarrollaron un sistema que hacía referencias cruzadas de cada artículo por empresa, comercio y nombre del producto. Sutnar aclaró la gran cantidad de información, utilizando colores, formas, cuadros y símbolos gráficos para guiar al lector. Estableció la jerarquía al enfatizar el tipo: cambiar la escala y el peso, invertir el color y usar cursiva y paréntesis, lo que facilitó la lectura, la lectura y el recuerdo. (También estableció el protocolo estándar de poner los códigos de área de los números de teléfono entre paréntesis). Sus diseños no solo eran visualmente interesantes, sino también útiles.

Sutnar y Lönberg-Holm, que también colaboraron en tres libros para guiar a los diseñadores, trabajaron en el desarrollo de un lenguaje visual que se comunicara directamente. Los cuadros, gráficos e imágenes simplifican la información, lo que ayuda a las personas ocupadas a ahorrar tiempo. La forma en que guiaron a los lectores a través de información compleja se parece mucho a lo que ahora llamamos diseño de información o arquitectura de información, que ha sido desarrollada por Edward Tufte y Richard Saul Wurman, así como por diseñadores digitales y web en todas partes. Ni Sutnar ni Lönberg-Holm podrían haber logrado todo esto por su cuenta; cada uno se benefició de la experiencia del otro.

5. Comprender la historia. - Milton Glaser

Después de graduarse de la Cooper Union en 1951, Milton Glaser fue a Italia a través de una beca Fulbright. En ese momento, el modernismo era el estilo predominante en el diseño. Estudiar con el pintor Giorgio Morandi transformó las opiniones de Glaser sobre el diseño. Aprendió a respetar el pasado y a inspirarse en las ideas y movimientos que realmente llegaron antes de la Bauhaus. Glaser no tenía nada contra el modernismo; solo sentía que había seguido su curso de innovación y expresión. En cambio, abrazó estilos históricos, adornos y complejidad.

En 1966, Glaser diseñó un póster que se incluyó con el álbum Greatest Hits de Bob Dylan: una silueta simple del perfil del cantante / compositor, inspirado en un autorretrato de Marcel Duchamp, que cobró vida con un arco iris de rizos, algo de influencia Art Nouveau, y un tipo de letra personalizado. El álbum vendió millones de copias, convirtiendo al cartel en uno de los más ampliamente distribuidos en la historia (aunque al mismo Dylan aparentemente nunca le gustó).

Una de las muchas fortalezas de Glaser es su versatilidad. Fundó la revista New York con el periodista Clay Felker en 1968, y la dirigió durante nueve años. Se convirtió en el modelo para las revistas de la ciudad en todo el país. Glaser también diseñó el ubicuo logotipo "I Love NY". Su amor por la comida condujo a proyectos de diseño gráfico e interior para restaurantes y supermercados, y su enseñanza y escritura han contribuido en gran medida al campo. Todavía trabaja hoy, recientemente revisando los triples años 60 para una campaña publicitaria para el programa de televisión Mad Men .

6. Abrace la nueva tecnología. - Rudy Vanderlans y Zuzana Licko

Apple abrió nuevos caminos en 1984 cuando presentó la computadora Macintosh. Los diseñadores Rudy VanderLans y Zuzana Licko hicieron lo mismo (aunque en menor escala) con la revista Emigre . Si bien muchos diseñadores inicialmente se resistieron a la computadora, VanderLans y Licko la adoptaron, aunque de maneras diferentes y complementarias: a VanderLans le gustó la libertad que le dio para diseñar diseños, mientras que le dio a Licko un método disciplinado para diseñar tipos.

7. Cambiar de marcha. - Muriel Cooper

Muriel Cooper tuvo dos carreras de diseño: primero como diseñador de impresión y segundo como diseñador digital innovador. A partir de 1952, trabajó para la Oficina de Publicaciones del MIT y finalmente se convirtió en directora de arte para MIT Press. Ella diseñó muchos libros clásicos, así como el logotipo icónico de la editorial.

Cooper tomó su primera clase de informática en el MIT en 1967, y la desconcertó. Sin embargo, pudo ver el potencial de la computadora en el proceso creativo y pronto comenzó la segunda fase de su carrera: aplicar sus habilidades de diseño a las pantallas de la computadora. Con Ron MacNeil, Cooper cofundó el grupo de investigación Visible Language Workshop en 1975, que más tarde se convirtió en parte del Laboratorio de Medios del MIT. Alentó a sus alumnos a usar la tecnología para presentar información bien diseñada.

Cooper presentó la investigación del grupo en la influyente conferencia TED5 (Tecnología, Entretenimiento, Diseño) en 1994. Por primera vez, los gráficos por computadora se mostraron en tres dimensiones transparentes, que se movieron, cambiaron de tamaño y cambiaron el enfoque, en lugar de la interfaz estándar de Windows de paneles opacos apilados como tarjetas. Ella tuvo un gran impacto: incluso el fundador de Microsoft, Bill Gates, estaba interesado en su trabajo. Desafortunadamente, murió repentinamente poco después, pero su legado en diseño interactivo continúa.

8. Haz que el mundo sea más humano. - John Maeda

John Maeda, ahora socio de diseño en Kleiner Perkins Caufield & Byers, era un estudiante graduado en ciencias de la computación en el MIT en su camino para convertirse en diseñador de interfaz de usuario. Luego leyó Pensamientos sobre diseño de Paul Rand, una experiencia que le hizo darse cuenta de que comprender la computadora no necesariamente lo convertía en un buen diseñador. Eso lo motivó a estudiar diseño gráfico, donde agregó habilidades y conceptos de diseño tradicionales a su conocimiento de computadoras.

Maeda regresó al MIT para enseñar y fundó el Grupo de Estética y Computación en el Laboratorio de Medios. Fue allí donde Maeda exploró el área donde se unen el diseño y la tecnología. Para Maeda, la computadora es una herramienta y un medio. A través del Media Lab, Maeda creó experiencias digitales como The Reactive Square, en la que las formas respondían al sonido, y Time Paint, un programa basado en el tiempo de gran éxito. Su proyecto Design by Numbers alentó a los diseñadores y artistas a aprender programación informática.

Maeda, quien fue presidente de la Escuela de Diseño de Rhode Island de 2008 a 2013, considera que el pensamiento creativo es tan importante como la capacidad técnica para desarrollar a los líderes del mañana. Al énfasis en la ciencia, la tecnología, la ingeniería y las matemáticas (STEM) en todo el sistema educativo del país, Maeda propone agregar una A para el arte, para crear STEAM. Su objetivo? No para hacer que el mundo sea más tecnológico, sino para hacerlo más humano.